Carlos Martín

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La Costa de los Mosquitos – En busca de un nuevo comienzo

Hay actores que, atrapados en su condición de megaestrellas, rara vez tienen la oportunidad de hacer cualquier cosa que no sea interpretarse a sí mismos.

Tom Cruise corre por diferentes decorados, siendo siempre el mismo. The Rock, es siempre The Rock, y Harrison Ford, a sus 78 años, enarbola su látigo y fedora en la quinta y última entrega de Indiana Jones.

No seré yo quien se queje de Ford, siempre ha sido uno de mis actores favoritos y disfruto muchísimo con su presencia. E incluso en sus últimos papeles, ha sido capaz de aportar algo más que su cara mientras camina en dirección al cajero automático.

Pero en cintas como La Costa de los Mosquitos, tiene la oportunidad de ser algo más que un héroe carismático. Se permite interpretar el que quizá sea, junto con el villano de Lo que la verdad esconde, su papel más inquietante, en una cinta que no es típica de los géneros donde estamos acostumbrados a verle.

Basada, como casi todo, en una novela de cierto éxito, Ford se pone en la piel de un extraño, racista y paranoico inventor, que abandona unos Estados Unidos que él cree en decadencia por un pueblo en mitad de la selva, y que consiste en cuatro cabañas de madera. Allí, acompañado por su mujer y cuatro hijos, intentará construir una utopía, mientras, según avanza el metraje, darnos cuenta de que este hombre no termina de caernos del todo bien. La película entera funciona como metáfora del colonialismo, el capitalismo y todos los ismos que se nos ocurran, aunque yo encuentro también un inquietante acercamiento a las películas de sectas, caracterizadas por este líder carismático que no deja de hablar. Allie Fox alecciona a todos sobre la inflación, el crimen, la violencia y las guerras nucleares, mientras reproduce a su alrededor todos los elementos que, según él, les llevaban a la catástrofe. Crea una sociedad con ventiladores, sillas, camas, y hasta un inquietante tótem maléfico en forma de refrigerador.

En su incesante búsqueda de la perfección, su familia empieza a sufrir las consecuencias. No sólo porque se ven obligados a abandonar su vida, sino porque su padre les lleva a no pocos peligros entre los que se encuentran hombres armados, y la propia paranoia de su progenitor, que los ve como débiles e incapaces de adaptarse a la esencia de la vida. Helen Mirren hace un gran papel de madre sufridora, al igual que el desaparecido River Phoenix, quien poco a poco empieza a cuestionar la realidad que le rodea.

Si bien hay ideas muy interesantes, y escenas donde vemos que la locura de Allie les llevará a la desgracia (como es la explosión involuntaria del tótem), sí es cierto que conforme avanza la cinta nos preguntamos a dónde va todo aquello, ya que no parece haber un destino, sino más bien, una constante huida desde un escenario en ruinas al siguiente. La lucha contra el predicador, que se representa como la civilización, no tiene un desenlace final, y sólo vemos a un Allie cada vez más harto de todo, mientras nosotros nos damos cuenta de que el problema es simplemente él, y que nunca encontrará la paz que tanto dice buscar.

Inquietante, lenta, y sin estar pensada para ser digerida como otras tantas películas que podemos ver hoy día, merece la pena pasar dos horas en esta extraña Costa del fin del mundo.

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La Invasión de los Ladrones de Cuerpos -Seréis los próximos

Es posiblemente una de las historias que más veces se han adaptado al cine. Nacida en forma de una novela de Jack Finney, cuenta una historia sencilla y con muchísimo potencial: En un pequeño pueblo de esos en los que nunca ocurre nada, algunos vecinos empiezan a pensar que alguien está suplantando a sus familiares y conocidos. Nada menos que cuatro remakes (si no me dejo alguno) dan fe de la popularidad y efectividad de esta premisa, gracias también a su capacidad para adaptarse y capturar los miedos de cada una de las épocas en las que se ha hecho una nueva versión.

En esta ocasión nos centraremos en la primera de todas, considerada una obra cumbre de la ciencia ficción de los cincuenta y que a mí, personalmente, no me llena tanto como debería.

¿Por qué? Puede ser que yo de niño viese la versión de los setenta, o incluso cualquier otra copia de marca blanca, y que me impactara demasiado, o puede también, que algunas de sus decisiones sean lo que lastren mi capacidad para disfrutarla.

En cualquier caso, la versión original de Don Siegel, no se sumerge de lleno en los artificios de la ciencia ficción, sino que decide apostar más por una puesta en escena más típica del suspense y el terror. No hay explicación a por qué aparecen las vainas alienígenas, ni qué buscan. Sólo nos muestran las consecuencias, en forma de personas que dicen desconfiar de sus vecinos, o que creen que han perdido el amor de sus familiares. Puede que fuese una metáfora sobre el comunismo en su momento, muy mal disimulada, pero eso le permite funcionar más allá del simple relato de entretenimiento.

Funciona debido a su simplicidad, aunque parece que hubo algunas injerencias que lastraron el resultado final. Es sobre todo evidente en ese prólogo y el epílogo, donde parecen querer poner algo de orden a la historia, cerrarla de una forma más optimista, en lugar de la desolación en la que, adivinamos, se sume el protagonista en esa autopista llena de esporas. Es básicamente otra película, con personajes que no pintan nada, que no guarda coherencia, y que cuanto más lo pienso, más molesta. Tampoco me gusta mucho la exagerada actuación de Kevin McCarthy, con unos primeros planos que molestan un poco.

Si se eliminasen estos dos detalles, e incluso un poco de la reconocida pero machacante banda sonora (que suena en escenas donde no pinta nada), podríamos encontrarnos con una mejor película. También es cierto que se trata de una cinta de serie B, y que somos nosotros, quienes, con el paso de los años, la hemos puesto en un pedestal, y quizá ahora pedimos cosas que no se le pueden exigir. Pero incluso con sus muy ligeros defectos, nos encontramos ante una de esas obras cumbres de un género que, partiendo de una forma muy humilde, acabaron creando escuela.

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Once upon a time in… Hollywood

A pesar de que la historia de Sharon Tate representada en la película de Quentin Tarantino es un emotivo ejercicio del “y si…”, es posible que el director de Pulp Fiction le robase el título perfecto a esta miniserie de siete episodios de Ryan Murphy.

Hace unos años nos lamentábamos de que tuviésemos pocas opciones legales para disfrutar de nuestros contenidos favoritos, mientras que ahora mismo, lo que nos encontramos al revisar Netflix (no puedo comentar otras plataformas de streaming), es que existe una gran cantidad de productos de relleno. Películas y series de colores brillantes, personajes guapos y muy poco carisma, de entre los que pasamos rápidamente mientras buscamos algo que ver.

Entonces me topé con el tráiler de Hollywood, compuesta de siete capítulos y ambientado en el fabuloso mundo del cine después de la Segunda Guerra Mundial. Un lugar de jóvenes aspirantes a estrellas, directores, platós de rodaje y estética de los cuarenta que, como no puede ser de otra manera, me llamó muchísimo la atención.

Empezamos en un estudio de Hollywoodland, donde aspirantes a actores hacen cola a las puertas para participar de extras en cualquier producción. Así conocemos a Jack Castello, un joven moreno, atractivo y con la plana típica de una estrella de cine (no miro a nadie, Henry Cavill), que busca abrirse lugar en el mundo del espectáculo, sólo para encontrar un camino más fácil: el de prostituto para ricos en una gasolinera regentada por Ernie West, que se encarga de cumplir las fantasías de algunas personas que, debido a la moralidad de la época, no pueden hacer públicas sus inclinaciones y fantasías.

Es así como Jack conoce a otros muchos recién llegados que buscan lo mismo que él: cumplir sus sueños en la única tierra creada para ello (he aquí un chiste de palabras que a lo mejor entendéis si habéis visto la serie). Guionistas, actrices de color, homosexuales, matrimonios aburridos y sin ningún tipo de relación… Todos se ven atrapados en un mundo de normas sociales y productores sin escrúpulos, que como era habitual, se encargaban de dirigir las vidas de sus empleados hasta el más mínimo detalle. Es el caso de Henry Willson, un agradable cambio de registro para el actor Jim Parsons, a quien gran parte del público jamás dejará de asociar con su repulsivo personaje de The Big Bang Theory, y que aquí clava la interpretación de un hombre repulsivo que, al igual que productores como Harvey Weinstein, se aprovechaban de su posición para satisfacer sus deseos sexuales.

Sin embargo, no nos encontramos ante un drama oscuro sobre lo terrible que puede llegar a ser el mundo del espectáculo, sino todo lo contrario. Hasta los personajes más despreciables desprenden carisma, y todo se convierte en una fiesta de sonrisas blancas, oportunidades, prostitución que… bueno, no es tan grave, y proxenetas encantadores. Lo que vemos es un cuento de hadas sobre lo que podría haber ocurrido en la década de los cuarenta, si los jefes de estudio hubiesen aprobado ciertas cosas, o se hubiesen sentido inclinados a contar otro tipo de historias. Un lugar donde Rock Hudson, uno de los grandes damnificados de la homofobia de su época, puede coger de la mano a su novio negro, y aunque escuchan abucheos, saben que el mundo puede seguir adelante. Y donde una joven actriz negra no sólo puede aspirar a ganar el Óscar, sino que, poco después, puede ayudar a restañar algunas heridas cometidas contra otras personas, basándose sólo en el color de su piel o a quién amaban.

Mezclando la realidad con la ficción, personajes reales con futuros imposibles, y pasando de las leyes Jim Crow a un negro homosexual sonriendo desde el escenario, vemos algo que no es real, que nunca lo fue, y que tampoco lo pretende.

Todo está muy bien rodado e interpretado, cargado de glamour y buenas intenciones, sobre todo, porque esos personajes han encontrado en su película algo en lo que creer, más grande que ellos mismos, y que les ha unido para siempre.

Ojalá la vida fuese como Hollywood.  

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The Boys – Un mundo con auténticos superhéroes

Decir que los superhéroes se han convertido en el género de moda esta década es innecesario. Decenas de películas, series de televisión, líneas de muñecos, proyectos multimedia, franquicias millonarias… todo lo que alguna vez apareció en unas viñetas, es susceptible de ser convertido en el próximo bombazo, incluso para desgracia de algunas de las personas que más contribuyeron a su fama en un primer momento.

Según el creador de Watchmen, las películas de superhéroes han arruinado el cine y la cultura de esta generación, además de tratarse de personajes que han sido arrebatados a sus creadores desde hace años.

Aunque al mismo tiempo sus palabras parecen haberse sacado un poco de contexto, Moore continúa asegurando que la última película del género que vio fue el Batman de Tim Burton, lo que ya de por sí descalifica un poco su opinión. Aunque quizá sea que de uno de los mayores genios del medio, quizá esperásemos un poco más.

Seguramente, si Moore se viese todas las películas que han salido desde que Michael Keaton se enfundó las mallas negras, su opinión no cambiaría en absoluto. Pero por parte de personas más objetivas, o menos involucradas, podemos notar una evolución tanto en el estilo, como en los medios, como también, en la forma de entender a los superhéroes.

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Get Out – Una perfecta mezcla de géneros

Cuando Déjame Salir, pésima traducción del título original, se estrenó en los cines, no andaba yo con muchas ganas de analizar películas. Así que, al igual que está ocurriendo con las últimas reseñas, lo que veis son películas de hace un par de años que por una razón u otra, estoy recuperando.

En el caso de Get Out, se hizo tan famosa que no pude sino pasar olímpicamente de ella, hasta que ayer la vi por casualidad y entendí que, a pesar de todo el coñazo que dieron con ella durante los óscars, había mucho más que la típica peli que llega, arrasa, y desaparece al cabo de un tiempo sin dejar rastro.

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Venom – La llegada del Simbionte

Lejos han quedado los días en los que sólo los superhéroes más famosos merecían su adaptación al cine.

Con el género convertido en el más exitoso de la década y Marvel coronándose con su universo compartido, son muchos los que han intentado repetir su éxito, llenando las pantallas de cine y televisión con personajes variopintos y, en ocasiones, desconocidos para el gran público. Desde sorpresas inesperadas como Guardianes de la Galaxia a fracasos artísticos como La Liga de la Justicia, uno no puede anticipar cuál va a ser el siguiente bombazo, así que hemos asistido a la creación de un montón de proyectos, algunos de los cuales, han sido todo un despropósito.

Desde la fallida película de Los Seis Siniestros a la absurda idea de convertir a la Tía May de Spider-Man en un personaje con serie propia, Sony ha intentado crear su propia red de películas.

Es el caso de Venom, el simbionte alienígena, enemigo de Spiderman, al que vimos brevemente en la trilogía de Sam Raimi y que decepcionó a los fans, y que en 2018 tuvo una nueva oportunidad para presentarse con más éxito.

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The Predator – Una película indescriptible

 

Sé que llego muy tarde para hacer una reseña de esta película, pero tengo una explicación: Para empezar, he tardado dos años en verla. Y eso ha sido porque a estas alturas, The Predator ya no le importa a nadie en absoluto. Lo que tenía que haber sido un acontecimiento cinematográfico (en su escala, por supuesto), resultó ser otro producto desechable más, y ya hemos perdido la cuenta de cuántas secuelas tardías, remakes o reboots han intentado lo mismo, estrellándose de la misma manera.

En muchos casos, se debe a que las personas que las ruedan tienen poco talento y sí muchas prisas, y en otros ejemplos, como el que nos ocupa, lo que tenemos es otro de esos innumerables casos en los que un estudio contrata a un director solvente, y al que luego le dicen cómo tiene que hacer su trabajo.

Pero vayamos por partes.

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One of Us – Liam Gallagher recuerda a su hermano perdido

Me he dado cuenta de que muchos de estos post comienzan advirtiendo al posible lector del poco tiempo del que dispongo ahora mismo para publicar con regularidad. En realidad, hace unos días creamos una cuenta de Instagram donde mi querida Andrea está compartiendo fotografías e imágenes relacionadas con el cine, y que os invito a seguir desde aquí. También hay muchas ideas y proyectos, pero creo que el problema, aparte del ya mencionado tiempo, es que estoy abriéndome a otros intereses. No quiero limitarme a hablar solo de cine, y me gustaría, dentro de algunos meses, lanzar una web de cultura general que cuente con algún colaborador que tenga las mismas ganas de escribir y hablar de arte, música, literatura, noticias, política e Historia.

Mientras ese momento llega, voy a hablaros de una canción que puede que os haya pasado desapercibida a muchos, pero que a mí me resulta interesante: One of Us, de Liam Gallagher.

 

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¿Qué hacemos con Apu?

Hank Azaria no volverá a ponerle voz a Apu. El actor de doblaje lleva casi treinta años interpretando a distintos personajes de la familia amarilla, pero ninguno ha sido tan controvertido como el dueño y dependiente del badulaque, que lleva un tiempo siendo objeto de debate debido a su posible racismo y efecto discriminatorio sobre la comunidad india en Estados Unidos.

Todo empezó en 2017 con el documental The Problem with Apu, donde el cómico Hari Kondabolu aseguraba que Apu se había convertido en un estereotipo que menospreciaba a una minoría muy importante en el país. Además, al ser uno de los pocos personajes indios con voz propia en la industria del entretenimiento, no había mucho más con lo que compararlo, reduciendo a sus compatriotas a papeles de taxistas, vendedores, o similares.

 

Apu es un personaje con un larguísimo recorrido en Los Simpsons. Conocemos sus orígenes, su carrera universitaria, sus extrañas (para los occidentales) costumbres e incluso su matrimonio concertado y los ocho hijos que tiene con Manjula. También, que es ahorrador hasta la avaricia, vegano, amigo de Paul McCartney y un trabajador incansable, lo que justifica los amplios horarios de apertura de su negocio. Incluso, cuando en un capítulo perdía su empleo, se convertía en una persona miserable que no sabía qué hacer con su vida. Como vemos, Apu es complejo, pero no necesariamente un modelo a seguir, y eso nos lleva a la cada vez más popular idea de la representación.

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Sex Education – Terapia con Gillian Anderson

Cuando nos encontramos con una película o serie que hace del sexo una parte importante de su contenido, tenemos que preguntarnos si es solo un reclamo publicitario o cumple alguna función más que la de escandalizar y llamar la atención. La campaña publicitaria de Sex Education comienza con Gillian Anderson compartiendo en sus redes sociales imágenes de objetos y plantas que se parecen a genitales, y acaba con una enorme valla publicitaria en el corazón de Madrid, retirada a petición del propietario del edificio donde se encuentra el Círculo de Bellas Artes. Pero entre medias, afortunadamente, podemos encontrar mucho más.

 

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‘El último emperador’ – De Dios a ciudadano

La razón por la que este blog no se actualiza de forma diaria se debe a que estos meses estoy muy ocupado, y hasta dentro de unas semanas no dispondré de más tiempo para centrarlo aquí. También es cierto, que estoy pensando en cuál es la mejor forma de traer contenido de calidad a este sitio. Porque seamos sinceros: hablar de cine a día de hoy es hacerlo de Marvel y Star Wars, y no me interesa volver a hacerlo. En su lugar, creo que estamos quitándole tiempo y espacio a otras muchas películas que sí me interesan y, por tanto, creo que merece la pena comentar y discutir. Creo que vais a ver más cine clásico en esta web, y también mucho cine asiático. Así que vamos a empezar por una de sus piezas más conocidas: El último emperador, de Bernardo Bertolucci.

 

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Primer tráiler de A Quiet Place 2 – Con Emily Blunt y Cillian Murphy

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‘Don’t F*ck with Cats’ – A la caza de un asesino en internet

¿Os habéis dado cuenta de que cada vez hay más documentales sobre asesinatos reales? El género True Crime nunca ha sido tan popular, y si tuviese que encontrar alguna de las razones, no me quedaría solamente con que el público responde favorablemente a este tipo de productos, como si fuesen culebrones televisivos. Creo que se debe también a la enorme facilidad de su producción. La tele-realidad, como la llaman en ocasiones, no necesita de complejos libretos ni esforzados guionistas. Solo tiene que limitarse a demostrar que la realidad suele ser mucho más inquietante y perversa que cualquier film de Hannibal Lecter. Desde las cintas de Ted Bundy a la oscuridad tras el Bikram Yoga. Ya tienes los personajes, la historia y los supervivientes. Solo tienes que recopilar toda la información, sentar a los testigos frente a la cámara, y darle a grabar.

Así, el público se convierte en partícipes de las historias, a las que no les faltan villanos de calidad. En el caso de ‘Don’t F*uck with Cats’, la línea entre espectadores y protagonistas se diluye hasta el punto en que pueden convertirse en detectives… y en víctimas.

 

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Star Wars : The Rise of Skywalker – Una reseña con SPOILERS

Hace mucho tiempo, en una galaxia lejana, hice un largo especial sobre casi toda la saga de Star Wars. Tras el largo periodo de inactividad de este blog, sé que me falta por publicar sobre The Last Jedi y The Mandalorian, pero me vais a disculpar si hago un salto y empiezo por el final.

El reciente estreno de The Rise of Skywalker pone punto final a los nueve episodios ideados por George Lucas allá por el año 1975. Que se parezcan o no a lo que él tenía en mente es irrelevante, ya que todos sabemos que fue improvisando a lo largo del camino. Lo importante es que lo que empezó como una película de bajo presupuesto se ha convertido, cuatro décadas después, en un pilar de la cultura mundial y casi una religión. Hacerse cargo de ella no es fácil ni debe tomarse a la ligera, y hoy, Disney se lo jugaba todo. Su inversión debía resultar rentable, su historia debía llegar a su final y la guerra más famosa del cine tenía que acabar de una sola manera: la victoria.

 

Ahora vamos a ver si lo han conseguido.

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La nueva versión de Carrie podría estar protagonizada por una actriz transgénero

Carrie fue la primera novela publicada por Stephen King, y también una de las más famosas. Se basa en una idea muy simple: la de una chica que, al comienzo de su pubertad, descubre que tiene poderes telequinéticos. Eso le lleva a vengarse de todas las personas en su instituto y pueblo que le han hecho la vida imposible, incluyendo su beata madre.

Sissy Spacek y John Travolta protagonizaron la primera adaptación al cine allá en la década de los setenta, y Chloe Moretz se encargó de un remake con más efectos especiales, pero menos originalidad. La tercera entrega, quizá en forma de serie para FX, tiene una idea para un nuevo giro de guión, y consiste en que quizá, quien interprete a Carrie White sea una actriz negra o incluso, transgénero. A estas alturas, nos encontramos en un punto extraño en el que no sabemos si ciertas decisiones de casting y artísticas se toman por fomentar la inclusividad, y cuáles son una especie de queerbaiting descarado. En este caso, una actriz transgénero nos llevaría a la desagradable conversación que está teniendo lugar en Twitter últimamente, y donde J.K. Rowling, la autora de Harry Potter, se ha mostrado como una persona transfoba, o no, dependiendo de a quién leas. Lo que sí es cierto es que Carrie descubre sus poderes tras su primera menstruación, algo que ella no esperaba debido a su evangélica educación.

Por tanto, una persona transgénero quizá no podría pasar por ese crucial momento de la historia, pero al mismo tiempo, si el guión estuviese a la altura, el paso de un género a otro podría ser el origen de una crisis de identidad igual de importante que la famosa escena de las duchas. Aunque la sangre, debo añadir, es un elemento fundamental para Carrie.

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Recordando escenas antológicas: Darth Vader y el pasillo en Rogue One

¿Habéis visto ya The Rise of Skywalker? De esa película hablaremos en profundidad dentro de un par de días, pero ahora quiero que demos un paso atrás y repasemos la historia de Disney tras hacerse con los derechos de George Lucas. Todos sabemos que tiraron a la basura las ideas del creador e incluso que le rechazaron como director del Episodio VII. Sabemos que los personajes cambiaron de nombre varias veces durante la producción, que el regreso del Emperador ya era algo que habíamos tocado en cómics y novelas, y que Lucas quería introducir a los legendarios Whills, guardianes de la Fuerza y cronistas de la Historia de la Galaxia. También hemos hablado de la basura que es The Last Jedi, lo menospreciada que está la simpática película de Han Solo, y lo terrible que es que no le diesen ni una sola escena al elenco original al completo. Por no hablar de lo triste que es saber que Carrie Fisher jamás llegó a empuñar un sable en la gran pantalla, y que su personaje siempre fue el más vacío, y al que intentan darle ahora todo el empaque posible, a posteriori.

 

Pero entre medias de todo eso, Disney acertó de pleno con una película visualmente disfrutable y entretenida, llamada Rogue One. A pesar de los múltiples problemas tras las cámaras (algo que se convertiría en moneda corriente en la casa de Mickey Mouse), tuvimos un producto decente que en su última semana de rodaje incluyó una escena memorable: Vader recorriendo un pasillo, y aniquilando a una decena de rebeldes.

Se trató de un momento en el que el público volvió a sentir (o experimentó por primera vez) lo que era tenerle miedo al señor oscuro del Sith, que separaba la máscara y el respirador de la tragedia de Anakin Skywalker y que, con un gran sentido dramático, se quedaba a pocos centímetros de recuperar los planos de la Estrella de la Muerte y poner fin a la rebelión. Esta corta pero intensa carrera nos demuestra que Star Wars puede llegar a ser adulta y espectacular. Pero que en los nuevos tiempos, si eso ocurre, será un cambio de última hora y, parece, que de casualidad.

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Nicolas Cage adapta a Lovecraft en Color Out of Space

Nicolas Cage protagoniza esta película, en la que la familia Gadner se retira a vivir a una tranquila granja en Nueva Inglaterra para huir del bullicio de las ciudades, solo para descubrir que un meteorito se estrella en su jardín, provocando que todos los familiares queden impregnados de un extraño color alienígena que empieza a mutarles.

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Adrien Brody se une a la nueva versión televisiva de Salem’s Lot

Brody es un actor que no termina de encontrar su lugar en la industra, encabezando proyectos realmente extraños. Tras Peaky Blinders, podremos verle en la nueva versión de Salem’s Lot, una adaptación de la famosa novela de Stephen King en la que unos vampiros atacan un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra. Poco más se sabe del proyecto, salvo que se espera que se estrene el próximo otoño, y que sería (si no me equivoco), la tercera vez que esta obra del escritor de Maine es adaptada a la pantalla.

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Tráiler y póster de Tenet – Lo nuevo de Christopher Nolan

¿Oís eso? ¿Lo oís? Son los fans de Nolan, acercándose en la distancia. Se están preparando para el estreno del que en ocasiones han proclamado “mejor director del mundo”, título que, a mi parecer, le queda demasiado grande. Tenet se estrenará el próximo Julio, está protagonizada por John David Washington y cuenta, también con Kenneth Brannagh y Robert Pattinson, y nos mostrará una historia de espionaje ambientada en varios países. Pero, por supuesto, la cosa parecer ser un poco más que eso…

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Tráiler y póster de 1917, lo nuevo de Sam Mendes

La nueva película del director de American Beauty nos cuenta una valerosa y épica historia en la que George MacKay y Dean-Charles Chapman tratan de salvar a sus compañeros en una de las guerras más crueles de todos los tiempos. También participan Benedict Cumberbatch y Mark Strong.

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