Hasta primeros de agosto (el día 1 para ser mas exactos) tendremos que esperar a ver la tercera parte de “La momia 3″, aunque esta vez no trate de la momia que ya habíamos conocido en anteriores entregas.

Antes de dejaros el trailer de la peli, el argumento de la misma: Condenados por una bruja traidora (Michelle Yeoh) a permanecer en muerte aparente para la eternidad, el despiadado emperador chino Dragón (Jet Li) y sus diez mil guerreros han esperado en su amplia tumba de barro, olvidados de todos, durante cientos de años, cual ejército de terracota. Pero cuando engañan al joven aventurero y arqueólogo Alex O’Connel para que despierte de su sueño eterno al temible gobernante, no le queda más remedio que pedir ayuda a las únicas personas que saben más que él acerca de los no muertos: sus padres. El monarca regresa a la vida con todo su poder y nuestros protagonistas descubren pronto que su afán de dominación no ha hecho más que crecer en todos estos años. Sirviéndose de poderes sobrenaturales inimaginables, el Emperador Momia cruzará el Lejano Oriente con su legión sin que nadie pueda detenerle… a menos que los O’Connell encuentren la forma de hacerlo.

¿Parece interesante? ¿Ya no saben que inventar los guionistas de Hollywood para seguir con una saga que nada, excepto el protagonista principal, tiene que ver con la original?

Karelia

Su verdadero nombre era Shirley Schrift, y nació un 18 de agosto de 1922 en East St. Louis, Illinois (U.S.A). Su padre era figurinista y su madre cantante. Su familia se trasladó a Brooklyn (Nueva York) cuando ella contaba 11 años. 

Cursó estudios de interpretación en el mítico Actor’s Studio, en donde uno de sus profesores fue Elia Kazan. También le impartió clases el grandioso (grande de cuerpo y de talento interpretativo) Charles Laughton.

Antes de alcanzar la popularidad, fue modelo y corista en Broadway, (de joven Shelley Winters era una bonita chica, encantadora y sensual) hasta que le ofrecieron un papel en la obra teatral “Un tranvía llamado deseo”.

Aunque debutó en el cine en 1943, sus primeros trabajos en el cine se limitaron a participar en las coreografías de algunos musicales, o en papeles muy secundarios, hasta que en 1947 uno de los mejores directores de actrices, George Cukor, contó con ella para el film “Doble vida”, en la que también tenía un papel secundario, pero de lucimiento.

En sus siguientes películas, casi siempre su rol era el de la joven vulgar o ingenua, enamorada del protagonista, (a veces un villano) pero en todos ellos dejaba la huella de su presencia.

Entre las interpretaciones de los siguientes años, destacan la Brenda Martingale de “Una vida marcada”, de Robert Siodmak, de 1948, su papel de Lola Manners en Winchester 73, de 1950, un magnífico western clásico del impagable Anthony Mann, su entrañable personaje de la ingénua seducida y asesinada por un joven ambicioso en “Un lugar en el sol” (1951), de George Stevens, al lado de Montgomery Clift y Elizabeth Taylor, por la cual fue nominada al Oscar a la mejor actriz, y su magnífica creación de Willa Harper en “La noche del cazador”, la única película dirigida por el actor Charles Laugthon (1955). Ese mismo año, tras trabajar en la película de Robert Aldrich, “El gran cuchillo”, encarnando el personaje de Dixie Evans, decidió abandonar el cine para dedicarse al teatro.

Regresa a la gran pantalla, y en 1959 recibe su primer Oscar, por su papel secundario en la película “El diario de Ana Frank”, de (George Stevens.

Su reputación como actriz es indiscutible, pero sin embargo, la reputación de su vida privada, si es llevada entre lenguas en los mentideros de Hollywood, en gran parte por ser aireada por la propia Shelley Winters.

Sus relaciones amorosas con Clark Gable, Errol Flynn y Marlon Brando (por mencionar sólo a los de más renombre), estuvieron siempre presididas por el escándalo, y pusieron fin a sus dos borrascosos matrimonios, con Vittorio Gassman, que sólo duró dos años (1952-1954) y con Anthony Franciosa (1957-1960).

En 1962, Stanley Kubrick la reclama para interpretar el papel de Charlotte, en su producción “Lolita”. Shelley Winters, alejada ya de la figura juvenil que lucía en sus primeros papeles, y con 40 años, hace una magnífica interpretación de la simplona y patética madre de la protagonista.

A partir de entonces, sus personajes estarán marcados por su físico, y en muchos de sus papeles volverá a interpretar el de matrona desencantada, sombría e insatisfecha.

“Un retazo en azul”, de Guy Green (1965), junto a Sidney Portier, le dio su segundo Oscar, por la recreación de Rose-Ann D’Arcy, y en 1970, a las órdenes del siempre excelente director Roger Corman, dará vida a Ma Baker, la matriarca y líder de una despiadada banda de asesinos que arrasó el Medio Oeste en el tiempo de la Gran Depresión Norteamericana. Su interpretación de la fría y cruel madre de “Mamá sangrienta”, demostró la versatilidad de la Winters, y una vez mas su gran profesionalidad.

Para esta película, y para un suculento papel secundario (uno de sus hijos), Shelley Winters recomendó a un joven principiante llamado Robert de Niro, que vio impulsada gracias a el su carrera. De Niro siempre ha agradecido esta oportunidad que la Winters le brindo, y lo ha mencionado en muchas de sus entrevistas cuando se le ha preguntado por los inicios de su carrera profesional.

Dos años más tarde, una interpretación en las antípodas de la realizada en “Mamá sangrienta”, la llevaría a otra candidatura al Oscar: La de Belle Rosen, la entrañable ex nadadora de “La aventura del Poseidón”, dirigida por Ronald Neame. No consiguió esa vez la estatuilla, pero si había obtenido ya el Globo de Oro.

Permaneció en activo hasta 1999, con trabajos para cine y televisión (entre otros, interpretó en la serie televisiva Batman, de 1966, el papel de Ma Parker), y en su bagaje de más de 130 películas, se encuentran títulos que han pasado a ser considerados no sólo clásicos, si no de los mejores de la historia del Cine.

Fue dirigida por muchos de los grandes directores de Hollywood, que la eligieron para sus filmes no porque fuera una de esas bellezas de las que el Cine se encarga de convertir en estrellas, si no, primero, por su potencial interpretativo, y una vez demostrado este, porque era una actriz magnífica que dotaba a sus personajes del realismo que necesitaban para resultar convincentes. Podía ser sombría, patética, mediocre y majestuosa a un tiempo, y como actriz de carácter, aún en los papeles secundarios que se le encomendaban, destacó y robó protagonismo a los actores principales con los que compartía trabajo. Merece por ello, sin duda alguna, el reconocimiento de ser una de las grandes secundarias de Hollywood.

En otro nivel, escribió varias obras de teatro, y publicó en 1980 su autobiografía, titulada “Shelley Also Known As Shirley”. Posteriormente, otra a la que tituló: “Shelley II: La mitad de mi siglo”.

Murió el 14 de enero de 2006 en Los Angeles, en el centro de rehabilitación de Beverly Hills, a consecuencia de un fallo cardiaco, debido a no poder superar las secuelas de otro ataque al corazón que sufrió en el mes de octubre de 2005.

Para ver su filmografía completa, pinchad aquí

Swanson  

Esta segunda entrega de las aventuras (violentas) de Frank Castle, más conocido como  Punisher, pueden quedar bastante eclipsadas por los bombazos que van llegando este año. Dark Knight, Indiana Jones 4, Iron Man, Hulk, X-Files 2, Hellboy 2… osea, que o me lo parece a mí o realmente poca gente se esta acordando mucho de que los tiros y la adrenalina van a estar repartidos de nuevo por un personaje que ya ha tenido dos adaptaciones cinematográficas.

De momento ha ido cayendo alguna que otra imagen de “Punisher War Zone”, y la gente espera que contenga más acción que la interpretada por Thomas Jane, así que aún quedando casi siete meses para su estreno podemos ver ya el teaser poster.

Cuando un personaje tiene algo que lo representa lo normal es que sea lo primero que se introduzca en el cartel (sea teaser, definitivo o como queráis llamarlo). Es el camino fácil. Batman tiene su murciélago, Superman su “S”, Indy su látigo o sombrero, Spider-man la araña, etc… así que The Punisher tenía que tener su calavera. En esta ocasión hecha a base de agujeros de bala. Ya va quedando menos para que los fans del personaje puedan ver saciada su “sed de sangre y balas”.

Fuente: UnderGroundOnline

Fdo: Snake  

Es lo bueno de internet, porque cosas buenas tiene, y muchas. Existen una serie de trailers falsos donde unos maestros del montaje consiguen mostrar a los internautas como serían unas determinadas películas cambiando cosas en sus trailers. Una escena de aquí, otra de allá, ahora la música, la voz en off, las letras, y ya tenemos un giro de ciento ochenta grados en lo que al sentido de la película se refiere.

¿Todos conocemos la película Los 10 Mandamientos no? Histórica. Charlton Heston y Yul Bryner. Un drama antológico vamos. Pues ahora la podemos ver como una comedia. Sí, como las que se hacen ahora más o menos (¿que viendo como son las actuales tampoco sería para lanzar cohetes no?). Así que lo mejor es echar un vistazo al susodicho trailer y disfrutar de lo lindo con esta nueva visión de un clásico.

10 THINGS I HATE ABOUT COMMANDMENTS

Fdo: Snake  

Con un gran reparto con actores como Don Cheadle, Jeff Daniels y Guy Pearce el director Jeffrey Nachmanoff presenta ‘Tritor’, un film de suspense, una película de espías donde Guy Pearce interpreta a un agente del FBI especializado en grupos terroristas, mientras que Don Cheadle es un agente de la CIA que se infiltra en un grupo terrorista, quien acaba siendo sospechoso de haberse pasado al bando enemigo. Jeff Daniels, Archie Panjabi, y Saïd Taghmaoui completan el reparto de esta película cuyo estreno se producirá el 29 de Agosto de 2009.

Un buen trailer que nos deja a un gran Don Cheadle y la posibilidad de encontrarnos de nuevo con una destacada película de espías.

Fdo: Kitano
 

Hay escenas que pasan a los anales de la historia por la calidad que destilan. Quizás veamos algunas en un momento determinado y pensemos que hemos encontrado una de ellas. Por desgracia escasean si nos atenemos a la proporción de películas que se estrenan. O por lo menos hay que mirar con lupa y sólo el tiempo puede ser lo único que decante que el público la reconozca al pasar los años.

Así a bote pronto, si tengo que poner un ejemplo, siempre recordaré el final de la película “Dos Hombres y un Destino”. Con Newman y Redford hablando mientras estan sitiados y saliendo con las armas en mano sin posibilidad alguna. La imagen congelada y el sonido de fondo dejando entrever el trágico final de ambos personajes. Un gran final y una gran escena. Y habría muchas más, es lo bueno de que se hayan hecho miles y miles de películas desde que se inventó el cine.

Como siempre, cada uno valorará y comentará las que más le gustan. Yo abro esta sección para que de vez en cuando se muestre y se recuerde algunas de las mejores escenas que hemos visto.

El Silencio de los Corderos nos mostró dos personajes, Hannibal Lecter y Clarice Starling. Los actores (Anthony Hopkins y Jodie Foster) que los interpretaban ganaron el premio de la academia de Hollywood, el Oscar vamos!, merecida e indiscutiblemente. Lo bordaron.

La primera escena en la cual ambos estuvieron juntos en pantalla fue una obra de arte. Igual de mérito habría que atribuirle a Jonathan Demme como a los actores. El ambiente que respiraba Clarice invadía al espectador en todo momento en esa sección para asesinos psicópatas. Ver a Hannibal, de pie, esperándola fue algo que todavía lo recuerdo cuando fuí al cine. El principio cinematográfico de un personaje que tuvo una secuela y dos precuelas.

Lo bueno de la actuación de Hopkins era que aterraba en todo momento. No hacía falta un psicópata asesino que iba con cuchillo en mano degollando a la próxima víctima adolescente, ni uno que preparaba trampas elaboradas hasta límites insospechados. No, simplemente aterraba con su mirada y su forma de hablar. Era normal, muy normal que Clarice se sintiese intimidada y violada por su primera conversación con el caníbal más famoso del mundo.

Se asistió a una de las demostraciones más palpables en cuanto a terror psicológico que se haya podido ver. Ponerte en la situación de la protagonista te hacía pensar en como habría reaccioando cada uno. Hannibal estaba encerrado, no podía hacer daño físico, pero era el que dominaba la situación y él lo sabía.

Igual da que haya visto la película seis o siete veces. Siempre me pone la piel de gallina el primer encuentro entre Hannibal Lecter y Clarice Starling. Y eso es algo que da que pensar. Calidad interpretativa a raudales. No os quepa duda.

Fdo: Snake  

Va, voy a decirlo: no me gusta Wong Kar-Wai. Tras esta terrible confesión que puede que haga que más un cinéfilo se arranque el pelo a mechones, voy a puntalizar un par de cosas.

De las dos películas que he visto del director hongkonés “In the mood for love” (2000) me dejó la extraña sensación de que me gustaba sin acabar de convencerme, aunque su impacto visual (acompañado de esa excelente BSO fundamentada en la maravillosa “Yumenji’s Theme”) era innegable. Luego llegó la (para mí) insufrible “2046” (2004) y aquí ya me di de baja de la lista de potenciales admiradores de Wong Kar-Wai. Curiosamente esta especie de manía no me ha impedido ver “My Blueberry Nights” (2007).

No sé si será porque esta película es más accesible o por el incontestable hecho de que es más occidentalizada que las anteriores, pero la he visto y no me ha desagradado en absoluto.

Los temas recurrentes y los rasgos estilísticos de Kar-Wai aparecen en “My Blueberry Nights” como en otras de sus producciones y así asistimos a una serie de historias que tienen como denominador común la pérdida-búsqueda del amor, las escenas en cámara lenta, la noche, las calles mojadas, la importancia básica de la música o ese abrumador dominio del color/oscuridad que nos deja en la retina imágenes impresionantes.

En esta ocasión la historia tiene como escenario a Nueva York en donde Elizabeth (o Lizzi) acaba de sufrir un revés amoroso y entabla amistad con Jeremy, el dueño de un pequeño bar especializado en postres de todo tipo. Huyendo del desamor, Lizzi emprende un viaje que le lleva primero a Memphis y después a Nevada. Tanto en uno como en otro lugar, trabajará como camarera y entrará en contacto con otras personas que, como ella, son tristes corazones rotos o corazones solitarios. Así como Jeremy conocía las historias que sus clientes han ido compartiendo con él, Lizzi experimentará lo que es estar tras una barra de bar y convertirse en la confesora improvisada de las penas de los demás y comprobará que Jeremy tenía razón y que algunas puertas que llevan al pasado nunca se cierran.

La película, siguiendo una clara estructura circular (Nueva York-Memphis-Nevada-Nueva York), tendrá a Lizzi (el sorprendente debut de la cantante Norah Jones) como hilo conductor a través del cual conoceremos a una serie de personajes que protagonizarán tres historias distintas, aunque con elementos comunes:

En la primera historia Lizzi y Jeremy (Jude Law) debaten sobre el desamor y sus consecuencias ahogando sus amargas penas en la dulzura de las tartas de arándanos y del helado.

En Memphis Lizzi conocerá a Arnie (un impresionante David Strathairn), un policía alcohólico al que su mujer (Rachel Weisz) ha abandonado.

Una ciudad de Nevada será el escenario donde Lizzi entablará una cierta amistad con Leslie (Natalie Portman), una ludópata sin suerte que intenta dar una imagen de chica dura que no se corresponde con la realidad.

De las tres historias antes mencionadas (salpicadas de transiciones que nos muestran imágenes distorsionadas, ralentizadas, hechizantes paisajes y nubes, muchas nubes), me quedaría con la segunda por su excelente construcción y por sus magníficas actuaciones que llegan a poner los pelos de punta.

Y todo esto aderezado por una sobresaliente BSO en la que Norah Jones interpreta algunas de las canciones (atención “The Story” que abre y cierra la película remarcando aún más la estructura circular antes comentada). Señalar, además, que uno de los temas que aparecen es una versión de “Yumenji’s Theme” que, como hemos citado anteriormente, era el tema estrella de “In the Mood for Love”.

Película muy sensorial que impacta sobre nuestros oídos, nuestra vista e, incluso, nuestro gusto y que me ha hecho creer que Kar-Wai no es tan peñazo como yo pensaba.

Trailer de la película

(ver ficha)

Briony    

Título: My Blueberry Nights

Título original: My Blueberry Nights

Nacionalidad: China

Año: 2007

Duración: 110 min.

Director: Wong Kar-Wai

Guión: Wong Kar-Wai, Lawrence Block

Música: Shigeru Umebayashi

Fotografía: Darius Khondji

Intérpretes: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow

Sinopsis: Elizabeth acaba de sufrir un desengaño amoroso que la llevará a dejar Nueva York y a emprender un viaje que la llevará a conocer a otras personas que, como ella, tienen roto el corazón.

Ver reseña de la película: “My Blueberry Nights” (Dulces arándanos de amor)- Wong Kar-Wai no es tan peñazo por Briony

El director Coreano Kim Jee-woon junto a actores de renombre en su país a la recreación del spaguetti western, un homenaje a la película del director Sergio Leone. Si para algunos no es conocido el director les invito a ver algunos de sus títulos para comprobar que sin llegar a destacar aún con un título especial, demuestra una gran capacidad y calidad siendo un director que no defrauda en sus trabajos. Sobre todo mencionar títulos como ‘A Bittersuite Life’, ‘A Tale of Two Sisters’ (una de las últimas películas de terror que recuerdo sea interesante, la comedia ‘Foul King’ o su episodio en ‘Three Extremes’.

Por otra parte tenemos a sus protagonistas. Un magnífico Song Kang-ho, en el papel de ‘el Feo‘, actor de películas como ‘The Host’ ‘Memories of Murder’ o ‘Simpathy for Mr Vengeance’. Lee Byung-hun, ‘el Malo‘, protagonista en ‘A Bittersuite Life’ o ‘Join Security Area’. ‘El Bueno‘, Jung Woo-sung, protagonista en films como ‘Daisy’, ‘A Moment to Remember’ o ‘Sad Movie’. Todo tiene buena pinta y esperemos tengamos la oportunidad de ver el resultado final.

Éstos son los posters de los protagonistas:

Fdo: Kitano

Eugene Allen Hackman, es el nombre completo de Gene Hackman, que nació en San Bernardino (California) el 30 de enero de 1930, en plena crisis económica norteamericana.

Es uno de los dos hijos de Lynda y Eugene Ezra Hackman, que se divorciaron cuando el tenía 13 años (1943). Durante un tiempo tuvo que vivir en diversos lugares, hasta que finalmente se instaló en casa de su abuela, Beatrice, que residía en Dauville, en el estado de Illinois. Su padre trabajó allí como editor de un periódico.

Abandonó sus estudios a los dieciséis años, y mintiendo sobre su edad, se alistó en los marines, sirviendo como operador de radio. Unos años mas tarde se licenció, y a su vuelta a la vida civil, vivió una temporada en Nueva York, en donde tuvo varios empleos. Regresó más tarde a Illinois, y se matriculó en la Escuela de Periodismo de la Universidad, y en Producción Televisiva, aprovechando la ayuda para los estudios que prestaba el estado a los antiguos militares.

Posteriormente estudió en la School of Radio Technique de Nueva York, lo que le facilitó trabajar en emisoras de Florida e Illinois.

Con treinta años, Hackman descubrió su vocación de actor, e ingresó en la Escuela de interpretación de Pasadena Playhouse en Los Ángeles. En esta escuela conoció y trabó amistad con otro aspirante a actor: Dustin Hoffman. Realizó por entonces algún trabajo para televisión en series como “FBI” o “Los invasores”, y debutó en el cine con un pequeño papel en el filme de gánsteres “Mad Dog Coll” (1961), de Burt Balaban, en el que ni tan siquiera su nombre aparecía en los títulos de crédito.

Algún tiempo más tarde, y tras la muerte accidental de su madre en un incendio en 1962, volvió a Nueva York, donde estudió con George Morrison y actuó en varios teatros de poco relieve, ejerciendo paralelamente diferentes empleos para mantenerse.

Su primera oferta para actuar en un teatro de Broadway fue en 1964, con Any Wednesday. El éxito que cosechó le abrió las puertas del cine.

Ese mismo año trabajó en la película “Lilith”, de Robert Rossen, con Warren Beatty y Jean Seberg, y participó posteriormente en algunos otros films, hasta que en el 67, Beatty lo recomendó para el papel del hermano de Clyde en “Bonnie and Clyde”, dirigida por Arthur Penn, de la que era protagonista y productor. Su convincente interpretación de Buck Barrow, (en especial, la escalofriante escena de su muerte), convenció a la crítica, y Hackman obtuvo su primera nominación al Oscar como actor secundario. Su carrera se afianzó, y sus trabajos para el cine continuaron en una línea ininterrumpida.

En 1970 fue nominado nuevamente como mejor actor de reparto, por su papel en el film “I never sang for my father”, de Gilbert Cates, con Melvyn Douglas y Estelle Parsons.

Dos años más tarde, en 1972 recibió el Oscar al mejor actor principal por su interpretación del cínico detective de policía Popeye Doyle, en el thriller “The French Connection, contra el imperio de la droga”, de William Friedkin (1971).

Con “La aventura del Poseidón” (1972), de Ronald Neame, Hackman, interpretando al reverendo Scout, se afianza como actor de carácter y de reconocida versatilidad. Recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada por este papel. Este mismo año protagonizó, junto a Al Pacino el film “El espantapájaros”, de Jerry Schatzberg.

En 1974 obtuvo el papel protagonista de “La conversación”, dirigida por Francis Ford Coppola. También ese año hizo una corta aparición en la comedia “El jovencito Frankenstein”, de Mel Brooks, dando vida a un ermitaño ciego.

Rodó varias películas entre ese año y 1978, en el que encarnó al villano Lex Luthor en “Supermán: la película”, de Richard Donner, realizando una genial interpretación del personaje.

En la década de los 80 participó en películas de gran éxito, entre las que se pueden destacar: “Superman II” y “Superman IV”, “Rojos”, de 1981, dirigida por su amigo Warren Beatty (en la que sólo realiza una breve aparición), “Bajo el fuego” (1983), de Roger Spottiswoode, “Hoosiers: más que ídolos” (1986), de David Anspaugh, “Otra mujer” (1987) de Woody Allen, “Bat 21” (1988), de Peter Markle y “Arde Mississippi” (1989), de Alan Parker, por la que estuvo nominado nuevamente al Oscar como actor principal.

A finales de esa década, Gene Hackman se había convertido en un actor respetado por la crítica, el público, y por sus compañeros de profesión. Alternando papeles secundarios con papeles protagonistas y también en apariciones cortas, pero eligiendo siempre cuidadosamente los guiones su carrera estaba ya afianzada.

En 1990, una afección cardiaca le obligó a someterse a una intervención de corazón. Se recuperó satisfactoriamente, pero le mantuvo alejado del trabajo por un periodo de casi dos años.

Su segundo Oscar, esta vez como mejor actor de reparto, le vino de la mano de su interpretación del malvado y sádico sheriff de “Sin perdón” (1992), dirigida y protagonizada por Clint Eastwood. Esta segunda estatuilla cimentó su reputación ante una nueva generación de espectadores.

En 1993 trabajó en la película “La tapadera”, de Sidney Pollack, junto a Tom Cruise. En 1995, interpretó a John Herodes, en “Rápida y Mortal”, y en el mismo año, encarnó al Capitán Frank Ramsey en la película “Marea roja”, con Denzel Washington. En 1998 actuó al lado de Will Smith en el film “Enemigo público”.

Después de la década de los 90, actuó en varias películas más, tales como: “Bajo sospecha” (2000), “Heist” (2001), “The Royal Tenenbaums” (2001), “Tras la línea enemiga” (2001), “El jurado” (2003), “Bienvenido a Mooseport” (2004) (siendo ésta su última película hasta el momento), entre otras, y que pasaron a engrosar la lista de alrededor de sesenta films, que ha rodado a lo largo de una fructífera carrera de casi cuarenta años.

El 7 de julio de 2004, Hackman en una entrevista concedida a Larry King, anunció que no tenía proyectos futuros, y que probablemente su profesión de actor había acabado.

En lo tocante a su vida privada, Hackman se ha casado dos veces. Lo estuvo en primer lugar con Fay Maltese, durante treinta años, pero al cabo de este tiempo se divorciaron. De este matrimonio Hackman tiene tres hijos: Christopher Allen, Elizabeth Jean y Leslie Anne. En 1991 se casó con Betsy Arakawa. Ha vivido con su segunda esposa en Los Ángeles y actualmente residen en Santa Fe, Nuevo Mexico.

Fuera del cine, también realiza otras actividades como afición. Pinta, pilota aviones y participa en carreras de coches. Es un gran aficionado al cine, y un gran coleccionista de películas.

En el año 1999, publicó un ensayo, co-escrito junto al arqueólogo Dan Lenihan (“Wake of the Perdido Star”), que fue bien acogido por la crítica. En 2004, publicó “Justice for None”, también escrita con Lenihan.

Gene Hackman está incluído entre los actores más prolíficos y versátiles de Hollywood. Ha sabido dotar a sus personajes de un estilo personal y convincente. En la línea de actores como Burt Lancaster o Robert Michun, ha sido un actor de corte “duro”, pero que nunca se ha encasillado en un mismo papel. La diversidad de sus roles lo demuestra.

Los numerosos galardones que ha recibido a lo largo de su carrera, y el respeto de crítica y público, lo sitúan como a un actor de gran importancia dentro de los de su generación.

Para ver su filmografía completa, pinchad aquí

Swanson